domingo, 7 de diciembre de 2008

una flor en el jardín...



cuerpo sepultado


tal vez no sea este el mejor día
para escribir un poema
pero ese "tal vez" es quizá lo único
que me alienta todavía
entonces multiplico todos mis yo
entierro el seno de uno
la piernecita del otro
y los cubro bien
hasta el fondo
como una gran mentira
o como este poema
que no se resuelve
ni con una palabra
ni con un llanto
sino con la violenta zambullida
del que amanece los acantilados


Victoria Guerrero/El mar, ese oscuro porvenir

lunes, 1 de diciembre de 2008

¡CONFIRMADO!

La pagina web de IRON MAIDEN confirmó por fin la gran noticia que tanto hemos esperado, la "dama de hierro" tocará en el estado nacional.

MAIDEN TO PLAY IN PERU FOR THE FIRST TIME
Published: December 1, 2008

Iron Maiden will visit Peru for the first time ever with a concert on March 26 at the 40,000 capacity Estadio National Jose Diaz in the capital city, Lima.

On sale date and ticket information to be announced soon.

domingo, 30 de noviembre de 2008

IRON MAIDEN EN LIMA

El día de ayer sábado en la sección "luces" de El Comercio, salió publicada una noticia que hasta ahora no lo puedo creer: La Dama de Hierro llegará a Lima.

La espera llegó a su fin. Tras confirmar cinco fechas en Brasil y pensar que todas las esperanzas estaban tiradas al piso, se vio la luz. La banda más influyente del metal mundial, con más de 25 años de historia, 15 discos de estudio y uno de los espectáculos más grandes del mundo estará en

Lima el 26 de marzo en nada menos que el Estadio Nacional. Díganme si este no es un sueño hecho realidad. Y como si fuera poco, el concierto incluirá cinco Eddies, pirotecnia y 12 toneladas de equipos. Además, el espectáculo empezará desde que el Ed Force One, avión de la banda piloteado por el mismo vocalista, empiece a aterrizar en tierras peruanas.

Antes de lanzarme a compartir una noticia como esta tuve que confirmarla por intermedio de muchos blogs y sites dedicados al tema, así que me he tomado la libertad de incluir la nota que apareció en el blog conciertosperu.com.pe, confirmándome la tan esperada noticia, incluso el concierto también ya fue confirmado por las pantallas gigantes en el concierto de Los Fabulosos Cadillacs el día de ayer (ver el blog ironmaidenperu), ahora sólo falta confirmar la fecha programada dentro del megatour en la pagina Web del grupo ironmaiden.com y llenar el estadio nacional el día del concierto de punta a punta para dar lo mejor de nosotros y para que esa noche sea la más espectacular de toda la gira. ¡¡¡ARRIBA PERÚ... UP THE IRONSSSSS !!!!

viernes, 14 de noviembre de 2008

¿Psych Folk? ¿Noise Rock?













El día de ayer la espectacular banda estadounidense Animal Collective, ofreció un alucinante concierto en el Auditorio Telefónica, lamentablemente el local quedo muy chico y mucha gente no pudo entrar, para los que conocemos de su música sabemos que la visita de este fabuloso grupo no se borrara así nomás de nuestra mente, a continuación les ofrezco una breve reseña del grupo además de algunos links de descarga para que puedan obtener algo de su extraordinario material discográfico.

ANIMAL COLLECTIVE es un grupo de músicos experimentales originario de Baltimore, Maryland, EE.UU. Está conformado por Avey Tare (David Portner), Panda Bear (Noah Lennox), Deakin (Josh Dibb) y Geologist (Brian Weitz). Empezaron su aventura en el año 2000, con una serie de experimentos musicales como la exploración del ruido y la melodía en la que indagaban en la esencia del sonido las sensaciones que causa.
Las grabaciones bajo el nombre de Animal Collective pueden incluir contribuciones de cualquiera de sus miembros, puesto que la alineación no es constante. Aunque la banda se clasifica como Psych Folk o Noise Rock, es difícil definir su sonido ya que en cada álbum experimentan con diversas corrientes e ideas, sus canciones nos transportan a los lugares más salvajes y animales de nuestra mente. No mas palabras, señores disfrútenlo…

Animal Collective - Water Curses (2008)


















Animal Collective - Water Curses

1. "Water Curses" - 3:25
2. "Street Flash" - 6:48
3. "Cobwebs" - 4:14
4. "Seal Eyeing" - 3:38

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Animal Collective - Strawberry Jam (2007)

















Animal Collective - Strawberry Jam

1. Peacebone (5:13)
2. Unsolved mysteries (4:25)
3. Chores (4:30)
4. For reverend green (6:34)
5. Fireworks (6:50)
6. #1 (4:32)
7. Winter wonder land (2:44)
8. Cuckoo cuckoo (5:42)
9. Derek (3:01)

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Animal Collective - Feels (2005)

















Animal Collective: Feels (2005)

1 Did You See The Words (5:15)
2 Grass (2:59)
3 Flesh Canoe (3:44)
4 The Purple Bottle (6:48)
5 Bees (5:38)
6 Banshee Beat (8:22)
7 Daffy Duck (7:34)
8 Loch Raven (4:59)
9 Turn Into Something (6:29)

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domingo, 12 de octubre de 2008

EL POETA DE LAS FLORES DEL MAL

CHARLES BAUDELAIRE


Charles Pierre Baudelaire (1821 † 1867), poeta maldito, lúcido, perverso, crítico, satánico, blasfemo, pero sobre todo POETA.

El poeta es una flor rara. Ser poeta no sólo consiste en tener más o menos talento; se puede ser tan poeta, que ni siquiera se necesite escribir un verso para serlo. En cambio, por buenos versos que haga quien no sea poeta; nunca se le podrá considerar dentro de la cofradía en la que se entra sólo por derecho de indudable autenticidad, o no se entra de ninguna otra manera.


Baudelaire, uno de los poetas más influyentes del siglo XIX. Nació en París el 9 de abril de 1821. Tenía seis años cuando su padre, François Baudelaire un sacerdote sexagenario que había colgado los hábitos convertido en funcionario, muere, y su madre, Caroline Archimbaut-Dufays que había nacido en Londres, se vuelve a casar poco después con Jacques Aupick, un oficial que llegará a ser general comandante de la plaza fuerte de París. Baudelaire siempre sintió aversión por este padrastro.


El niño Baudelaire no había sido feliz con su padre postizo, no porque este fuera cruel, sino seguramente porque había en él una sensibilidad única: había nacido poeta… Solo basta leer su poema “Bendición” para saber lo que Baudelaire piensa sobre el nacimiento y la infancia del poeta, es decir la aparición de esa peregrina criatura que nace poeta, en este mundo en el que viene a cantar, a descubrir maravillado, por lo cual a veces ha de ser mirado con curiosidad, con burla, con recelo, como esos forasteros que recorren la ciudad asombrándose de todo.


Después de su bachillerato, rechaza entrar en la carrera diplomática con el apoyo de su padrastro. No quiere ser otra cosa, sino escritor. En gran perjuicio de su familia burguesa, frecuenta entonces la juventud literaria del Barrio Latino. Un consejo de familia, bajo la presión del general Aupick, lo envía a las Indias, en 1841, a bordo de un navío mercante. Pero Charles Baudelaire no desea más que la gloria literaria y durante una escala en la Isla de la Reunión, deserta y vuelve a París a tomar, puesto que ha alcanzado su mayoría de edad, la posesión de la herencia paterna. Se une a Juana Duval, una actriz mulata de la cual, a pesar de frecuentes desavenencias y numerosas aventuras, seguirá siendo toda su vida el amante y el sostén. Con todas las perversiones, los refinamientos, las exquisiteces sensuales que pueda haber en los versos que inspira esta “venus negra”, hay por debajo un puro recuerdo de adolescencia. Y la lealtad que Baudelaire profesa a esta mujer, de la que cuida hasta el último momento, cuando ya ella está vieja y enferma, demuestra esa pureza de sentimientos que no puede provenir más que de aquella pura juventud arrancada de sus raíces, de su ambiente, esta ternura que ha de salvar a Baudelaire de toda caída definitiva.


Participa en el movimiento romántico, juega a ser dandy, y contrae numerosas deudas. Sus excentricidades son tales que su madre y el general Aupick obtienen en 1844 del Tribunal que sea sometido a un consejo judicial. Baudelaire, herido, no se repondrá de esta humillación. Privado de recursos, no cesará desde entonces de evitar los acreedores, mudándose, escondiéndose en casa de sus amantes, trabajando sin descanso sus poemas intentando mientras tanto ganarse la vida publicando artículos. Una primera obra marca sus comienzos como crítico de arte. Loa a su amigo Delacroix, critica a los pintores oficiales. Ese mismo año, una tentativa de suicidio le reconcilia provisionalmente con su madre. En 1846, descubre la obra de Edgar Alan Poe, ese maldito de Ultramar, de más allá del Atlántico, ese otro incomprendido que se le asemeja, y, durante diecisiete años, va a traducirlo y revelarlo.

Posteriormente su salud comienza a deteriorarse. Se ahoga, sufre crisis gástricas y una sífilis contraída diez años antes reaparece. Para combatir el dolor, fuma opio, toma éter. Físicamente, es una ruina. En la soledad orgullosa donde él se ha encerrado, dos luces: los escritos admirados de dos escritores todavía desconocidos, Stéphane Mallarmé y Paul Verlaine, sobre su obra que se resume en una única recopilación. Las Flores del Mal, a lo que hay que añadir los poemas en prosa del Spleen de París, ensayos, (Los Paraísos Artificiales, estudio sobre los efectos del opio y del hachís), sus artículos de crítica y su correspondencia. En 1866, durante una estancia en Bélgica, un ataque lo paraliza y lo deja casi mudo. Agoniza durante un año; amigos, para ayudarlo a sobrellevar el dolor, acuden junto a su lecho a interpretarle a Wagner.


Hay que estar muy desesperado para blasfemar como lo hace Baudelaire en ocasiones. Pero esa misma desesperación, ese mismo blasfemar y maldecir de este “poeta maldito” nos esta diciendo su inconformidad con la fealdad del mundo que le rodea, nos está revelando la aspiración a lo infinitamente bello y lo infinitamente bueno, y es, a su manera, un camino de perfección, porque Baudelaire siempre acaba por encontrar a Dios, siempre acaba por encontrar el bien, la pureza. En su más “condenable” poema, el de Mujeres condenadas, acaba él mismo por pronunciar la sentencia, por lanzar la condenación, como poseído de un divino designio, y vemos al espíritu descender sobre todas las aberraciones, sobre todos los desvaríos, sobre todos los delirios de la carne y de la sensualidad.


Tal vez fue Juana Duval quien mejor lo comprendió en algún instante. Nunca, naturalmente, el coronel Aupick, su padrastro, ni la pobre señora Caroline Archimbaut-Dufays, en cuyos brazos, ya viuda de Aupick, muere el poeta en París, el día 31 de agosto de 1867, cuando tenía cuarenta y seis años de edad. Por caprichos del destino, el poeta es enterrado en el cementerio de Montparnasse, al lado mismo de su padrastro, “el hombre que él había odiado más en la vida”, como si un castigo domestico le persiguiera al tomar contacto definitivo con la tierra, él, que había hecho todo lo posible por libertarse de lo cotidiano.

Después de su muerte, Las flores del mal es como un lugar obligado de peregrinación de todo lector de libros, algo así como las torres de Notre Dame en el itinerario de París y en la imaginación de cuantos sueñan con verlo.


Aquí están sus versos, aquí se les ofrece Las flores del mal íntegramente. “Tomad y leed, esta es mi sangre”, pudiera decir el poeta, imitando a Jesús, al ofrecernos su obra, esta hermosa, abundante, y milagrosa cosecha de sus poemas.


Las Flores del Mal

"Lector apacible y bucólico, sobrio e inocente hombre de bien,

arroja este libro saturniano, orgiástico y melancólico.
Si no has estudiado tu retórica con Satán, el astuto decano, ¡arrójalo!

No comprenderás nada de él, o me creerás histérico.
Pero si, sin dejarte hechizar, tu pupila sabe sumergirse en los abismos,

léeme, para aprender a amarme;

alma curiosa que sufres y andas en busca de tu paraíso

¡compadéceme! Sino, ¡yo te maldigo!"



Download: Las flores del mal

miércoles, 1 de octubre de 2008

Cocó Ciëlo descanza en paz

Tomo esta lamentable noticia del blog de Wilder González:

http://www.peruavantgarde.blogspot.com/

Y del blog de Oriani_K:

http://orianik.blogspot.com/

Comparto lo leído en el blog de Oriani_k:

Esta es una de las mañanas más lamentables y tristes de mi vida. Me enteré hoy que el ser creador de Silvania y Ciëlo, Jorge Revilla, conocido como Cocó Ciëlo fue hallado sin vida en su departamento ubicado en la ciudad de Madrid…

Gracias por todo lo que nos ofreciste Cocó, mil gracias…















adn » cultura

Muere Cocó Ciëlo, la estrella más provocadora del 'underground'

Integrante de Silvania y Ciëlo, creador del sello discográfico Click New Wave, un músico y dj cuya actitud y rebeldía ha sido un ejemplo de clase e independencia

Elena Cabrera,

Cocó Ciëlo, músico de extraordinario talento, un dj arriesgado, y un inteligente provocador -verbal y estético- ha sido encontrado muerto en su domicilio de Madrid a primera hora de la mañana del domingo herido, según la policía, por cortes de arma blanca.

Nacido en Arequipa (Perú), emigró a Europa para cumplir sus sueños, para ser una estrella, dejando atrás un país que no le comprendía. Lo hizo junto a su gran amigo e inseparable compañero artístico, de penurias y laureles, Mario Ciëlo.

Llegaron a Alemania en los albores de los años 90 y de allí se trasladaron a Valencia donde, con el nombre de Silvania, sacaron sus dos primeros discos, el EP Miel nube hiel y el álbum En cielo de océano. Se adelantaron, con mucho, a la explosión de la música independiente en España y fueron pioneros de un sonido basado en la belleza y las espirales de las guitarras distorsionadas.

Gracias a esa primera etapa de Silvania, la música independiente de nuestro país pudo mirar a la cara a grupos como My Bloody Valentine, Cocteau Twins o Insides.

Darle la vuelta a la noche

Cocó, cuyo verdadero nombre era Jorge Revilla, pero qué poco importa eso, jamás tuvo pelos en la lengua y esa fue una actitud que le ocasionó admiradores y detractores con igual pasión.

Cocó cambiaba la vida de cualquier persona que le conociera. Su radicalidad en una España cada día más gris empujaba al que le seguía a un tipo de barricada artística, necesaria, extravagante y única Silvania se mudó a Madrid e hicieron de la música, de la noche y de la cultura de la ciudad un lugar mucho más emocionante. Impulsaron el club Galax, dedicado a la electrónica que emergía en los 90, llevaron la dirección artística del subsello dedicado a la electrónica de Elefant (donde grabaron la mayor parte de su carrera como Silvania) y, posteriormente, Cocó fue el programador del escenario más arriesgado del Festival de Benicàssim, el Chill Out.


Durante años él estuvo ligado a la organización del festival e influyó siempre en su actitud más avanzada. Cocó odiaba lo previsible, la prensa musical formalista y aburrida, la juventud adocenada, la complacencia.

Dio por finiquitada una etapa y decidió tomar las riendas de su carrera. Él y Mario cambiaron Silvania por Ciëlo, rompieron los contratos y crearon su propio sello, Click New Wave. Para autoeditarse, para no depender, para cambiar el mundo. Y así fue.

La singularidad, que no es extravagancia

Cocó Ciëlo cambiaba la vida de cualquier persona que le conociera. Su estética, deudora del futurismo y la new wave, no se parecía a nada ni a nadie, sólo a él. Su radicalidad en una España cada día más gris empujaba al que le seguía a un tipo de barricada artística, necesaria, extravagante y única.

Periodistas y amigos decían de él que desde Fabio McNamarara este país no había tenido la suerte de encontrarte alguien tan transgresoramente pop como él. Desde hace años y ya para siempre Cocó Ciëlo es una estrella.

Gracias por todo lo que nos ofreciste Cocó, mil gracias…

jueves, 18 de septiembre de 2008

La Melancolía

Hablemos un poco sobre esto, ¿Qué es la melancolía? (pero antes que les parece si ponemos algo de música, algo de Clan of. Xymox, por ejemplo), según la Real Academia Española de la Lengua nos dice: Melancolía (Del Lat. melancholĭa, y este del gr. μελαγχολία, bilis negra) Tristeza vaga, profunda, sosegada y permanente, nacida de causas físicas o morales, que hace que no encuentre quien la padece gusto ni diversión en nada.

Pero, quizás es en esta palabra en la que mejor se sintetiza la convicción profunda de que el espíritu humano viaja por el cuerpo en las secreciones, llamadas también "humores". La melancolía es, en efecto, un humor negro, es decir una secreción glandular negra. Porque así lo entendían los griegos que crearon la palabra melagcolia (melanjolía). Está formada por melan (mélan), que significa negro, más colh (jolé), que significa bilis, hiel. No olvidemos que de este segundo elemento se ha formado la cólera. En latín prefirieron la forma melancholia, transcripción del término griego, al latino atra bilis (bilis negra), del que se formó como cultismo el término "atrabiliario", que entró en nuestra lengua como galicismo, pero que no ha hecho fortuna. Para los griegos melancolía significó desde el primer momento tanto el hecho fisiológico de la secreción y circulación por el cuerpo de "humor negro", como su resultado psicológico. Y aun cuando el uso de esta palabra se fue decantando cada vez más hacia su vertiente anímica, siempre estuvo presente para los griegos su valor primitivo. El adjetivo melagcoliko (melanjolikós) significa preferentemente la afección anímica (triste, melancólica, de humor sombrío).

Actualmente, la melancolía sigue formando parte de los cuadros clínicos, y se la define como una psicosis que se caracteriza por depresión profunda, dolor moral, sentimiento de culpabilidad, de desmoronamiento, de autodesprecio, afecciones que van acompañadas por inhibición psicomotríz, lentitud del pensamiento y malestar corporal de tipo hipocondríaco. Un cuadro que puede colocar al paciente al borde del suicidio. Esta enfermedad, igual que la tuberculosis, fue elevada a la categoría de sublime por el romanticismo. Estuvo presente en nuestra cultura y en nuestra lengua desde siempre.

Debido a su buena prensa, la melancolía ha sido objeto de más de una obra literaria, Tirso de Molina, por ejemplo, compuso la comedia El Melancólico, que tuvo un gran interés para el público, porque veía en el protagonista al enigmático y melancólico Felipe II.

A continuación les presento el texto de Alejandra Pizarnik: “El Espejo de la Melancolía” Un ensayo sobre Elizabeth Bathory: La Condesa Sangrienta. La Condesa es considerada una melancólica. Esta caracterización, más allá de ser un diagnóstico psicopatológico posible de aplicar, invita a reflexionar acerca de las condiciones sociales que provocan y fomentan la melancolía.


Alejandra Pizarnik
“El Espejo de la Melancolía”
(Ensayo sobre Elizabeth Bathory)


...vivía delante de su gran espejo sombrío, el famoso espejo cuyo modelo había diseñado ella misma... tan confortable era, que presentaba unos salientes donde apoyar los brazos, pudiendo permanecer muchas horas frente a él sin fatigarse.

Podemos conjeturar que habiendo creído diseñar un espejo, Erzébet trazó los planos de su morada. Y ahora comprendemos por qué sólo la música más arrebatadoramente triste de su orquesta de gitanos o las riesgosas partidas de caza o el violento perfume de las hierbas mágicas en la cabaña de la hechicera o –sobre todo- los subsuelos anegados de sangre humana, pudieron alumbrar en los ojos de su perfecta cara algo a modo de mirada viviente. Porque nadie tiene más sed de tierra, de sangre y de sexualidad feroz que estas criaturas que habitan los fríos espejos.

Nunca pudieron aclararse los rumores acerca de la homosexualidad de la condesa, ignorándose si se trataba de una tendencia inconsciente o si, por el contrario, la aceptó con naturalidad, como un derecho más que le correspondía. En lo esencial, vivió sumida en un ámbito exclusivamente femenino. No hubo sino mujeres en sus noches de crímenes. Luego, algunos detalles son obviamente reveladores: por ejemplo, en la sala de torturas, en los momentos de máxima tensión, solía introducir ella misma un cirio ardiente en el sexo de la víctima. También hay testimonios que dicen de una lujuria menos solitaria. Una sirvienta aseguró en el proceso que una aristocrática y misteriosa dama vestida de mancebo visitaba a la condesa. En una ocasión las descubrió juntas, torturando a una muchacha. Pero se ignora si compartían otros placeres que los sádicos.

Continúo con el tema del espejo. Si bien no se trata de explicar a esta siniestra figura, es preciso detenerse en el hecho de que padecía del mal del siglo XVI: la melancolía.
Un color invariable rige al melancólico, su interior es un espacio de color de luto; nada pasa allí, nadie pasa. Es una escena sin decorados donde el yo inerte es asistido por el yo que sufre esa inercia. Este quisiera liberar al prisionero, pero cualquier tentativa fracasa como si hubiera fracasado Teseo si, además de ser él mismo, hubiese sido, también, el Minotauro, matarlo, entonces, habría exigido matarse.

Pero hay remedios fugitivos. Los placeres sexuales, por ejemplo, por un breve tiempo pueden borrar la silenciosa galería de ecos y de espejos que es el alma melancólica. Y más aún: hasta puede iluminar ese recinto enlutado y transformarlo en una suerte de cajita de música con figuras de vivos y alegres colores que danzan y cantan deliciosamente. Luego, cuando se acabe la cuerda, habrá que retornar a la inmovilidad y al silencio. La cajita de música no es un medio de comparación gratuita. Creo que la melancolía es, en suma, un problema musical: una disonancia, un ritmo trastornado. Mientras afuera todo sucede con un ritmo vertiginoso de cascada, adentro hay una lentitud exhausta de gota de agua cayendo de tanto en tanto.

De allí que ese afuera contemplado desde el adentro melancólico resulte absurdo e irreal y constituya “la farsa que todos tenemos que representar”. Pero por un instante –sea por una música salvaje, o alguna droga, o el acto sexual en su máxima violencia-. El ritmo lentísimo del melancólico no sólo llega a acordarse con el del mundo externo, sino que lo sobrepasa con una desmesura indeciblemente dichosa, y el yo vibra animado por energías delirante.

Al melancólico el tiempo se le manifiesta como suspensión del transcurrir –en verdad, hay que transcurrir, pero su lentitud evoca el crecimiento de las uñas de los muertos- que procede y continúa a la violencia fatalmente efímera. Entre dos silencios o dos muertes, la prodigiosa y fugaz velocidad, revestidas de variadas formas que van desde la inocente ebriedad a las perversiones sexuales y aun al crimen. Y pienso en Erzébet Báthory y en sus noches cuyo ritmo medían los gritos de las adolescentes.

El libro que comento en estas notas lleva un retrato de la condesa: la sombría y hermosa dama se parecen a la alegoría de la melancolía que muestran los viejos grabados. Quiero recordar, además, que en su época una melancólica significaba una poseída por el demonio.

miércoles, 3 de septiembre de 2008

Cocteau Twins - Stars and Topsoil (1982-1990) [2000]


Cocteau Twins - Stars and Topsoil (2000)

Track Listing

Blind Dumb Deaf
Sugar Hiccup
My Love Paramour
Pearly-Dewdrops' Drops
Lorelei
Pandora
Aikea-Guinea
Pink Orange Red
Pale Clouded White
Lazy Calm
The Thinner the Air
Orange Appled
Cico Buff
Carolyn's Fingers
Fifty-Fifty Clown
Iceblink Luck
Heaven or Las Vegas
Watchlar

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Demasiada tristeza


Este es un excelente articulo que encontré en Internet hace algún tiempo sobre una de mis bandas favoritas y aunque es un poco extenso vale la pena, existe mucha poesía en sus letras y en su música, por eso me llamo la atención que se incluyera en el articulo citas de algunos poetas, y para quienes no han escuchado nada de Cocteau, agrego una descarga de un compilado con sus mejores temas, con ustedes...

COCTEAU TWINS - El Dolor a Contraluz

Esta nota está dedicada a todos los que hemos encontrado en la música de Cocteau Twins el camino de regreso hacia nosotros mismos.

"Al cantar,
no me siento como otros dicen sentirse
cuando me escuchan.
Mientras otros perciben belleza,
yo estoy sintiendo dolor…"

Elizabeth Fraser


El Nacimiento

Fue en 1982 cuando comenzó la historia de los gemelos. Robin Guthrie trabajaba como D.J. en un club punk de Grangemouth, una sencilla ciudad industrial de Escocia. Tocaba en varios grupos como invitado, pero deseaba formar su propia banda. Ya había convencido a su amigo de adolescencia Will Heggie para que lo acompañara en su proyecto. Faltaba una voz que entregara su alma a las composiciones que ellos comenzaban a crear.

Liz estuvo yendo durante todo un año al club donde trabajaba Robin antes de hablar con él: "un día, estábamos todos tan borrachos que hablábamos unos con otros como si nos conociéramos… entonces le hablé a Robin por primera vez... él me dijo que quería formar una banda y buscaba una vocalista. Yo acepté porque no estaba haciendo nada".

Un Amor Enceguecedor

"Ahora que soy la hermana de tu piel
y ya no eres un hombre solo
en la soledad del mundo.
Dame la mano
y seguiremos integrando
una canción profunda".

Raquel Jodorowsky


En 1982 es lanzado el primer disco de los gemelos (Garlands). Ese mismo año, Liz y Robin dieron comienzo a una tormentosa relación de pareja. En ese entonces, ella se sentía sola y confundida: "Yo me sentía perdida, no sabía quién era y él pensaba plenamente por los dos… Creo que nos enamoramos por motivos equivocados".

La suave y desgarradora ternura que expresaba Liz al cantar, sumada a las guitarras que se volvían cada vez más etéreas y sugestivas, no hicieron más que acrecentar el mito de la historia de amor convertida en música.

En 1983 es lanzado el segundo disco (Head Over Heels) y el grupo comienza una gira europea como teloneros de Orchestral Manouvers in the Dark (OMD). La rutina significó un importante desgaste en las relaciones humanas al interior de la banda, lo que llevó a Will Heggie a abandonar el proyecto una vez finalizadas las presentaciones.

Es entonces cuando llega Simon Raymonde a encargarse del bajo, marcando el comienzo de un camino que se iría alejando cada vez más de las influencias del post punk. Con ello, el sonido de la banda tomaría colores propios, más allá de las modas que en ese momento se imponían en el Reino Unido.

La Voz del Alma

"...Entonces me disuelvo, me vuelvo fluida, fluyante.
Huyo de la tortura que me aguarda
como un gigantesco exprimidor de sangre.
Escapo para evitar la autodestrucción y la locura…"

Anaïs Nin


Mucho se ha dicho acerca del significado de las letras de Cocteau Twins. El misterio y la ambigüedad de éstas siempre fueron motivo de especulaciones.
Cuando en la década de los ‘80 Liz era consultada al respecto, repetía una y otra vez: "No lo sé". Esta actitud entre tímida, indiferente y hermética no hizo más que alimentar el mito.

Su obsesión con los fonemas, los balbuceos y los susurros hicieron que fuera comparada con los dadaístas, y su afición a inventar palabras sólo por la fascinación de crear sonidos la llevaron a ser comparada con el poeta romántico francés Stéphane Mallarmé.

La combinación que Liz realizaba de palabras en distintos idiomas, creando luego neologismos que integraban los significados conocidos y dejaban espacio para que cada persona las interpretara desde su propio mundo interior, la llevaron a ser comparada con el escritor James Joyce.

Sin embargo, al ser consultada Liz mantenía su postura "simplemente no sé por qué canto como canto. Nunca he leído ni a Mallarmé ni a Joyce".

En 1984 es lanzado el disco Treasure. Con Liz inspirada en mujeres míticas como Lorelei, Perséfone, Pandora y Beatrix, y la música sonando como el flujo de los océanos, este trabajo representa un homenaje a lo que el inconsciente colectivo simboliza como el mundo femenino. Desde entonces, el fluir de lo femenino (que en los discos anteriores sólo se insinuaba) estaría presente transversalmente en las creaciones de la banda.

Cuando en 1986 aparece el álbum Victorialand, la música de Cocteau Twins llega a ser denominada "La voz de Dios" en el Reino Unido. Este disco en particular representa el máximo nivel de experimentación alcanzados por el grupo, ya que prácticamente carece de líricas legibles. No deja de ser simbólico que éste sea uno de los discos más intensos y conmovedores de toda su trayectoria. Representa simplemente el alma de los tres gemelos en un grado supremo de comunión, entregados a una explosión de sonidos que no es sino la voz de sus propios mundos internos.

Sin embargo, la elevación espiritual que supone la música resultante de este disco parece ser más un intento de huir del infierno que cada uno estaba sufriendo en la tierra. Una manera de viajar hasta la tranquilidad más sublime, un camino que les permitiera sobrevivir a pesar del dolor marcado sobre sus alas.

No es de extrañar entonces la ausencia de letras. Cuando el dolor es tan profundo, no hay palabras que permitan dimensionarlo. El flujo contenido en la música de los gemelos no ha sido sólo el resultado de la experimentación. Representa una manera de consolarse a sí mismos creando caminos hacia otros mundos.

Música para Cambiar de Planeta

"Teníamos todo,
pero saliste a cantarle a la luna
y yo me enredé en la luz de una estrella...”.

Teresa Wilms Montt


En 1990 nace Lucy Belle, hija de Liz y Robin. Lo que ante los ojos de los demás no era más que la coronación de una historia de amor hecha música, no fue sino el único camino que vislumbró Liz para salvar su cada vez más invivible relación con Robin. "Fue mi último y desesperado intento por retenerlo a mi lado", confesaría en 1996.

Inevitablemente, los conflictos personales existentes entre Robin y Liz repercutieron en el trabajo que realizaban junto a Simon como banda. Cuando Robin recuerda el turbulento período entre 1990 y 1993, insiste en que se admira de no haberse matado mutuamente, haber cometido suicidio colectivo o haber incendiado el lugar en que vivían. Resulta difícil imaginar que en tal clima de agresividad se gestara una música tan llena de armonía.

El dolor que para cada uno de los integrantes del grupo significó este período quedaría plasmado en el disco Four Calendar Café, lanzado precisamente en 1993. Este trabajo desborda delicadeza y ternura en cada uno de sus temas. Una vez más, la música se convierte para los tres gemelos en una puerta de entrada a otros mundos, donde todos los dolores sufridos en los distintos momentos de la existencia pueden ser consolados.


La Infancia Recobrada en un Café

"Traes en ti el recuerdo de otras vidas más altas,
de un Dios encontrado en alguna parte
y al fondo de ti misma
recuerdas que eras tú."

Vicente Huidobro


El proceso de creación del disco Four Calendar Café estuvo marcado por una profunda reflexión de cada uno de los integrantes del grupo respecto de quiénes habían sido y en quiénes se habían convertido.

Para Liz, significó enfrentarse además al feroz sufrimiento vivido durante su niñez. Tal vez por eso la carátula muestra unos juguetes vistos a través de luces ultravioletas, como una manera de representar el comienzo de la reconciliación de Liz con una infancia marcada por el dolor llevado en silencio.

Liz sufrió abuso sexual desde los seis años de parte de su hermano, y probablemente, de parte de su padre: "Realmente no tengo la certeza. Las personas que hemos sido abusadas recordamos los ataques sin el rostro del agresor… siempre nos estamos protegiendo de ellos, incluso cuando recordamos…"

Una vez más aparece la idea del dolor que cuando es insoportable se vuelve confuso, sin forma, sin nombre. Muchas veces, los niños que sufren abuso sexual desarrollan dificultades para comunicarse con el mundo. Es tanto el dolor que fluye desde la realidad, que el mundo psíquico se refugia en fantasías donde ningún otro ser humano tiene cabida, porque recuerdan las heridas que se pretenden olvidar.

En la música de Cocteau Twins todo el sufrimiento es transformado en luz, dando paso a lugares donde la belleza puede volverse insoportable de tan intensa y pura.

El dolor y la tristeza siempre estuvieron en el canto de Liz, pero sólo en Four Calendar Café es que ella se siente capaz de utilizar un lenguaje más claro que en los discos anteriores, permitiendo que quienes la escuchemos lancemos una mirada a ese mundo interior que tanto ha protegido desde que comenzó a ser dañado.

La Leche y los Besos

"...Y sin embargo, en mí la niña no pudo morir
como tenía que haber muerto
Porque según las leyendas,
es necesario que vuelva a encontrar a su padre"

Anaïs Nin


Si bien después de 1993 Simon, Robin y Liz dieron comienzo una nueva etapa en su relación como compañeros de banda, las dificultades nunca se alejaron demasiado.

Cuando se encontraban grabando Milk and Kisses, Robin ya había formado un nuevo hogar con Florence y Liz había recién terminado una relación sentimental que significó una importante experiencia en su vida. Sin embargo, las relaciones al interior de la banda iban de mal en peor. Simon grababa sus partes durante el día, Robin durante la noche y una vez que estaban los temas listos, Liz grababa las pistas con su voz. Prácticamente evitaban relacionarse unos con otros.

El nombre de este disco está inspirado en las palabras que unos amigos de Liz le dedicaron en una oportunidad:"Una vez me encontraba muy mal anímicamente y unos amigos intentaban consolarme a través del teléfono. Uno de ellos me dijo: ‘Liz, arranca el veneno de tu alma y reemplázalo por leche y por besos’…"

El Resplandor de las Luces Gemelas

"Éste ha sido el pan cotidiano de mis días,
Mi constante búsqueda obsesiva de lo irrecuperable…"

Antonin Artaud


En 1998 Liz decidió abandonar a Cocteau Twins para comenzar una carrera como solista. Robin y Simon estuvieron de acuerdo y cada uno emprendió su camino. Sin embargo, la marca que Cocteau Twins dejó sobre ellos continúa presente en los trabajos que han realizado desde la separación.

Inspirada en la música creada por Robin y Simon, Liz se ha cantado a sí misma las canciones que su madre jamás le dedicó, se ha contado los cuentos de hada que su padre destruyó, transformando cada una de las lágrimas que en su infancia nadie secó en melodías llenas de paz y tranquilidad.

Liz sufre mientras canta, porque de algún modo, mediante la música logra llenar su alma de todo aquello que jamás podrá esperar de otro ser humano. En su decepción es donde radica su mayor tristeza. Y es su dolor el alma de Cocteau Twins.

La música de Cocteau Twins representa un camino que nos permite descubrir el principio de nuestras propias almas. Nos conecta con todas aquellas emociones que muchas veces ocultamos a los demás, por temor a ser heridos. Tal vez por eso resulte tan conmovedor escucharlos cuando nos sentimos solos, cuando no queremos compartir con nadie las cicatrices dejadas por otros sobre nuestros mundos íntimos.

El canto de Liz es una manera de volver transparente la inocencia perdida, arrebatada bruscamente desde sus entrañas cuando tenía seis años, destrozada por un mundo que cada vez deja menos espacio a la compasión y a los sueños.

Ante tanta desolación, Simon, Robin y Liz dieron vida a todo un cosmos de música creado por las formas que sólo tienen la inocencia y la ternura. Un lugar que se encuentra en algún rincón olvidado en cada una de las almas humanas, donde el dolor es llenado de luz para rescatar el brillo que lo convierte en algo que llega a convertirse en hermoso de tan humano.

martes, 26 de agosto de 2008

Un nuevo inicio

Hoy martes 26 de Agosto de 2008 doy inicio a un proyecto largamente esperado, y es que desde hace mucho tiempo tenia en mente publicar cosas referidas a la literatura a la música y a la cultura en general, en un primer momento tuve la idea de crear una revista universitaria de literatura en la que se pudieran plasmar las diferentes tendencias literarias (poesía, ensayos, cuentos, novelas cortas, etc.) y también algo de música (reseña de discos, descargas, etc.) ya que, personalmente, creo que la música y la literatura están de muchas formas íntimamente ligadas la una a la otra, pero debido a muchos inconvenientes que resultan aburridos comentar no se pudo sacar adelante aquel proyecto editorial, sin embargo el tema de los “blogs” tan de moda me pareció mucho más interesante, el hecho de mezclar ambas cosas (música y literatura) fue lo que finalmente me animo.


Yo empecé así, escuchando música y leyendo, poniéndole un fondo musical a mis lecturas nocturnas de autores como: Kafka, Bukowski, Baudelaire, Camus, Miller, Vallejo, Pizarnik, Burroughs y tantos otros quienes me envolvían en ese misterioso e imaginario universo literario, acompañados de la música que escuchaba (y que aun escucho) por entonces, música de: The Cure, Clan of Xymox, Depeche Mode, Psychedelic furs, The Chameleons, y un largo etc.


Se que existen cientos de blogs dedicados a la literatura y a la música, así que no pretendo ser el blog más completo o el más actualizado de cuantos existen en la red, pero tampoco quiero ser uno más sólo sé que puedo aportar "algo" al universo cultural de los que quieran compartir conmigo música, lectura, ideas, sensaciones, y sobre todo mucha buena onda.


cesar vill